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10 Razones por las que los zurdos deberían tocar la guitarra en la posición estándar

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Hoy les traigo un tema que podría generar polémica o discusiones interminables, y es comprensible las diferentes opiniones que podría generar, pero hay cosas que son como son y hay que ser muy analíticos, críticos y comprensivos para poder entender las ventajas de aceptar las cosas tal cual y progresar sin añadir nuevos obstáculos.

 

En el artículo de hoy hablaré de las razones que se deberían tener en cuenta para que los zurdos toquen la guitarra en la posición estándar (o para diestros), teniendo en cuenta que este artículo está escrito con la intención de ayudar a tomar una difícil decisión a la que se enfrentan los guitarristas zurdos cuando se inician en el aprendizaje de éste u otros instrumentos de cuerda, ya sea la guitarra, el bajo, o el ukelele entre otros.

 

En principio haré una exposición muy técnica de los puntos que apoyan el aprendizaje en una posición estándar y posteriormente añadiré algunos apartados relacionados con mi experiencia como profesor de guitarra durante más de doce años, en los cuales he podido dar clases a más de mil estudiantes.

 

¿Por qué tocar la guitarra en la posición estándar aunque seas zurdo?

  1. Hay muchas más guitarras en el mercado para colocar en la posición estándar que para zurdos.

  2. Las guitarras para zurdos suelen ser más caras y hay menos variedad.

  3. Para tocar la guitarra hay que usar las dos manos, y es más importante el adiestrarlas correctamente desde el principio que dejar que ideas preconcebidas influyan en nuestros resultados.

  4. Los diestros suelen tener más complicaciones al principio con la habilidad de colocar posiciones de acordes y pisar cuerdas, ya que esta acción se realiza con la mano izquierda, y los zurdos tienen ventaja en este aspecto al ser más hábiles con estos dedos.

  5. Los diagramas de acordes y escalas, y las tablaturas, son estándar, no hay adaptaciones para zurdos (aunque he podido observar en muy pocas ocasiones tablaturas o diagramas invertidos).

  6. Al tocar con varios instrumentos de la misma especie, es más fácil su ubicación en un escenario y reduce el peligro de golpes con los mástiles u otro tipo de estorbo. (Este punto es importante sobre todo en el mundo de la guitarra clásica, ya que en ensembles es donde se puede ver lo práctico de que todos los mástiles estén orientados hacia una misma dirección).

  7. Hay posibilidad de aceptar una guitarra prestada en cualquier tipo de evento. (Puede ser interesante en caso de necesidad, ejemplo: que nuestra guitarra haya sufrido algún percance en un desplazamiento, o simplemente en los momentos de ocio).

  8. Podemos prestar nuestra guitarra. (Lo mismo que en el punto anterior pero a la inversa. Ejemplo: Un amigo músico se desplaza a nuestra ubicación y su guitarra ha sufrido algún percance en el viaje, poniendo en peligro su actuación, podremos ayudarle prestándole nuestra guitarra).

  9. Si en un futuro el estudiante quiere dedicarse a la docencia será más fácil que pueda facilitar el aprendizaje de sus alumnos gracias a la imitación.

  10. Evitarás problemas futuros y será más fácil aprender imitando a otros guitarristas.

 

Seguramente se puedan añadir otros puntos a esta lista, pero en principio éstos podrían ser los más importantes a destacar.

 

Mi experiencia como docente se ha nutrido de diferentes perfiles de alumnos, algunos de ellos zurdos, y siempre he intentado ser lo más comprensivo con sus incertidumbres y dificultades, evitando dar una respuesta cerrada sobre el tipo de guitarra o posición en la que deberían colocar sus instrumentos (si como diestros o como zurdos), pero siempre que me piden consejo me baso en los puntos señalados anteriormente, además de indicar los avances y evoluciones de otros alumnos zurdos a los que he dado clase.

 

He notado en diversas ocasiones, como estudiantes de guitarra zurdos que tocaban con la posición estándar (como diestros), eran más hábiles a la hora de colocar posiciones de acordes y realizar ejercicios técnicos, ya sea la interpretación de escalas o tocar melodías, que muchos alumnos diestros. Ésto podría comprenderse fácilmente, al entender que en la mano izquierda se requiere una mayor coordinación que implica esforzarnos en ubicar los dedos en diferentes trastes de entre las seis cuerdas que tiene la guitarra, además de las múltiples combinaciones de acordes que podemos encontrarnos, multiplicando todo ésto la dificultad que entraña el correcto uso de la mano izquierda, mientras que cuando empezamos a aprender rasgueos, la mano derecha únicamente debe centrarse en rasguear las cuerdas con cierta precisión en movimientos repetitivos, intentando respetar el pulso musical, ésto último también relacionado con las pulsaciones de cuerdas sueltas para realizar melodías. Para que se comprenda ésto, y a modo de ejemplo, si tocas la guitarra o alguna vez has dado clase, o simplemente si alguna vez estuviste en clases de guitarra, cuando un alumno empieza a estudiar acordes e intenta tocar una canción, su procedimiento es el siguiente:

  1. Coloca la posición del primer acorde

  2. Rasguea con el ritmo que lleva la canción

  3. Para el ritmo hasta colocar el segundo acorde

  4. Y una vez tiene colocado el segundo acorde procede a interpretar el ritmo que acompaña a éste.

Según este proceso, ¿Dónde está la dificultad? ¿en el ritmo o en la posición del acorde? Hay quien defiende que la guitarra es un instrumento para zurdos, ya que sobre todo cuando empezamos, la mayor dificultad está relacionada con el uso de la mano izquierda, aunque a medida que aumentamos la dificultad de las piezas a interpretar, o los diferentes ejercicios técnicos, la dificultad se extrapola a cualquiera de las dos manos, como ocurre en la mayoría de los instrumentos.

 

En la formación académica más estricta, la de los Conservatorios, no hay distinciones entre zurdos o diestros a la hora del aprendizaje musical (al menos en la mayoría de los casos) y el ejemplo lo tenemos observando a las orquestas, ¿por qué todos los violines, violas, chelos o contrabajos se colocan en una misma posición? ¿No existen los violinistas zurdos? La respuesta, lógicamente, es que sí hay violinistas zurdos, pero todos aprenden a tocar en una misma posición, y habrá que ver si realmente repercute negativamente en sus habilidades, velocidad o calidad interpretativa el tocar con una posición de diestro. Además, podríamos hablar de que no existen pianos para zurdos, si tuviéramos que seguir una lógica a la inversa habilidad manual, ya que si la mano más hábil la derecha, es la que se debería usar para las melodías, ubicadas en su mayoría en las frecuencias agudas (lo digo porque generalmente suelen tener una velocidad mayor que las voces de acompañamiento), ¿por qué no han invertido la posición de las notas y las octavas para los zurdos en los pianos?

 

Con este artículo no quiero que los zurdos se vean obligados a aprender a tocar en la posición estándar, pero si que tengan en cuenta estos puntos que podrían ayudar a evitar tener futuros quebraderos de cabeza, ya que muchas veces nuestro enfoque suele ser a corto plazo, y con el tiempo podemos tener un enfoque diferente y arrepentirnos de una mala decisión en nuestro comienzo. Aún así hay que añadir que en ciertos casos un principiante puede verse más cómodo en la posición para zurdos, pero ésto puede ocurrirles incluso a los diestros, pero la comodidad es un factor de entre muchos, y no debería ser el único a tener en cuenta, pudiendo ser mucho mejor el sacrificar un poco de comodidad en las primeras etapas del aprendizaje, hasta adaptarnos a la posición correcta. Si no, véase un caso muy típico en los principiantes, sobre todo en los niños, al intentar transmitir la importancia de que cada dedo de la mano izquierda se responsabilice de un traste diferente (dedo 1 traste 1, dedo 2 traste 2,…) y ellos te dirán mientras desplazan el dedo 1 por cualquier traste que es que se siente más cómodos así y que les resulta más fácil, ¿dejarías que este alumno aprendiera usando un único dedo porque se siente más cómo así?

 

Guitarristas que avalan tocar como diestros siendo zurdos:

  • Gary Moore

  • Mark Knopfler

  • Juanjo Domínguez

 

Si aún así quieres tocar la guitarra en otra posición, tienes un total de tres opciones:

  1. Posición estándar (Diestros).

  2. Posición invertida (Guitarra para diestros en posición opuesta).

  3. Posición invertida con cuerdas en posición adaptada (Guitarra para zurdos).

 

Si te decides a tocar en la posición 1, tendrás todo a tu favor, ya que el 99,9% de los instrumentos y materiales están pensados para esta colocación. Si decides la posición 2 verás dificultad en la adaptación o perspectiva con la que debas enfrentarte a la hora de leer diagramas, tablaturas, y colocar las posiciones de acordes entre otras. Si decides la tercera opción, te verás muy limitado en cuanto a modelos de guitarras y aún así necesitarás adaptarte a los materiales existentes.

 

Siempre podrás pensar, puedo comprarme una guitarra para diestros, cambiar la posición y cambiar las cuerdas a la inversa, pero ésto tiene asociado otro tipo de complicaciones, como por ejemplo, si la guitarra se puede colgar con bandolera (correa) los anclajes de esta quedarán debajo y no podrás colgarte la guitarra a menos que coloques nuevos puntos de anclaje. Y si cambias el orden de las cuerdas (la 1ª dónde va la 6ª…) los puentes deberán ser modificados y adaptados, ya que suelen estar compensados, si no perderás calidad en la afinación y podrías incluso poner en peligro la vida del puente de tu guitarra.

 

Me gustaría saber tu opinión y que añadieras un comentario dando tu punto de vista o experiencia, podría ser muy enriquecedor y ayudar a muchos principiantes.

 

Enlaces de interés de otros autores que hablan sobre el tema tratado en este artículo:

https://guitarradesdecero.com/tocar-la-guitarra-si-eres-zurdo/

http://www.gibson.com/Noticias-y-Reportajes/Articulos/es-es/Consejos-para-guitarristas-zurdos.aspx

 

 
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¿Batería electrónica o acústica?

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Existe gran controversia en cuál de los dos tipos de batería (electrónica o acústica) es mejor, para mí, ninguno deja de tener su razón, pero ante todo, quiero dejar claro que en mi opinión, ninguno de los dos tipos es mejor que el otro, como todo, la elección de una u otra dependerá sobre todo, de nuestras necesidades.

Empezaré por hablar resumidamente sobre sus orígenes (si queréis saber más sobre su historia, visitad el siguiente link) http://centerofrock.com/blog/articulos/historia-de-la-bateria

La batería acústica tal como se la conoce hoy apareció a principios del siglo XX (antes cada parte la tocaba un percusionista, como en las orquestas), después de la primera guerra mundial, con las pérdidas que ello supuso, afectó a los burgueses que tenían sus propias orquestas contratadas, así limitando la cantidad de músicos que las constituían, por lo cual, muchas veces el percusionista se veía en la necesidad de tocar varios instrumentos a la vez. Los primeros estilos en utilizarla fueron el cakewalk y otros estilos precursores del jazz. 

Luego ha evolucionado lentamente con varias mejoras significativas tales como: 

  • El pie de charles (primero de madera, luego acero y en la actualidad aleaciones de bajo peso y gran durabilidad).
  • Los parches (del cuero de animales a materiales sintéticos desde Mylar, que abarató el coste, pasando incluso por el kevlar).
  • El tamaño (cada vez se hacen con medidas más pequeñas ganando en claridad sonora y sin perder el toque de grabes que se buscaba con las medidas grandes en el pasado).
  • La introducción de la percusión menor en los set de batería (cencerros, panderetas, temple blocks, pailas y un sinfín).
  • Evolución de los platillos en aleación, forma, tamaño, timbre y fabricación.

La batería electrónica apreció hace unos 30 años, y aunque al principio tenía bastantes defectos, hoy en día ha evolucionado tanto en calidad y realismo sonoro como en comodidad y respuesta a la hora de tocarla.

Hablemos de las posibles virtudes y defectos de cada tipo de batería:

Batería acústica

Los pros:

  1. No necesitan de electricidad para funcionar.
  2. No necesitan amplificación para conciertos en salas pequeñas y medianas.
  3. Se le pueden sacar infinidad de matices y sonidos (tocar en aros, en los cantos de los platos, "raspar" los platos y parches, combinar con escobillas, mazas o baquetas.
  4. Tiene mucha presencia de cara a un concierto.
  5. Su sonido natural y único, hace que incluso una batería de la misma marca y modelo, suene diferente a la tuya debido a que la madera no tiene una densidad fija, y de un árbol a otro pueden haber serias diferencias incluso siendo de la misma especie, haciendo que vibre en diferentes frecuencias. (La marca DW guarda la referencia del árbol con el que hacen las baterías por si compras una pieza suelta tiempo después, la sacan del mismo árbol que el resto de tu batería).
  6. Si tienes un concierto en una sala, casi todas usan baterías acústicas, por lo cual, no te sentirás tan diferente al tocar.
  7. Sus dimensiones y complejidad a la hora de desmontar hacen que sea más difícil su robo (suena a chiste, pero para los ladrones siempre es más apetecible una guitarra o bajo que una batería, siempre que oímos sobre el robo de material en locales de grupos, es cualquier cosa, menos una batería).

Los contras:

  1. De partida para conseguir una batería medianamente decente, son más caras que las electrónicas.
  2. Su desgaste hace que tengas que comprar periódicamente parches nuevos y baquetas, así como afinar en instrumento con mayor o menor asiduidad dependiendo de la calidad de éste.
  3. Su tamaño y peso en relación a la electrónica hacen más dificultoso su transporte y ocupan bastante espacio en los locales, coches, escenarios.
  4. Si tienes vecinos, una de dos, o insonorizas una habitación, o te mudas al campo con tu batería.
  5. En salas sin insonorización te verás con el problema de tener a alguien de la sala a tu lado siempre recordándote que no tocas lo suficientemente bajo (verídico).
  6. Siempre serás el primero en montar y el último en recoger después de un concierto, lo que repercute en tu vida social.
  7. En el punto 3 ya hablé de su transporte, pero es que es el punto clave para no conseguirte una si eres un poquito vago, hay que recordar que luego hay que volverla a meter en el coche, llevarla al local de ensayo y montarla.

Batería electrónica

Los pros:

  1. Puedes tocar casi donde te de la gana (dependiendo del modelo) sin molestar a nadie.
  2. Con una sola batería tienes infinidad de sonidos, pudiendo cambiar el banco entre canciones de diferentes estilos.
  3. En las salas pequeñas tus compañeros te lo agradecerán porque tendrán más espacio para moverse; el tío que avisa que la batería está muy alta seguirá ahí, pero esta vez podrás bajar el volumen de la batería sin tu cambiar tu manera de tocar.
  4. Puedes tener una batería con relativamente poco dinero.
  5. Casi todas traen acompañamientos que harán tu estudio más entretenido, así como un metrónomo, cosa muy importante para todo estudiante (aunque en el fondo lo odies de todo corazón).
  6. Nunca se desafina y sus pads suelen ser más duraderos que los de la batería acústica.
  7. Montarás y recogerás muy rápidamente.

Los contras:

  1. Necesitas amplificación siempre que toques con alguien más.
  2. No es tan cómoda como una acústica y ni siquiera las de gama alta tienen la posibilidad de sacarles tanta cantidad de sonidos a cada pad sin cambiar en el módulo.
  3. Los herrajes suelen contener piezas de plástico, por lo que si no eres muy cuidadoso, tendrás que comprar piezas nuevas alguna que otra vez (si hay repuestos).
  4. Salvando las de gama alta que se acercan bastante al sonido de una batería acústica, suele notarse en el sonido final de, por ejemplo, un grupo cuando tocan con electrónica a cuando es acústica, y eso es malo a no ser que estés tocando música electrónica.
  5. Necesitas conectarla a la corriente, por lo cual, no te la puedes llevar a un asadero improvisado.
  6. No queda igual de bonita en un concierto, y aunque parezca una razón un tanto insulsa, la apariencia de un grupo de cara a sus oyentes es muy importante, casi tanto como la propia música.
  7. No hay mucha variedad en marcas como con las acústicas, haciendo que sea más difícil que las electrónicas se acerquen a tus necesidades en cuanto a sus características.

Como veis, hay para todos los gustos, y seguro encontraréis más pros y contras según vuestras necesidades y experiencias. Lo más importante es que, os decidáis por una o por otra, la disfrutéis.

 

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El instrumento que no sabías que tenías.

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Va siempre contigo: cuando estás malo, cuando tienes frío, calor, cuando te sientes triste o cuando estás alegre, la voz siempre va donde quiera que tú estés. Es el instrumento del ser humano por antonomasia me atrevo a decir, y sin embargo, no sabemos tanto de ella.

En cuanto al aspecto musical de la voz, es un instrumento bastante complicado de entender y estudiar, ya que, a diferencia del resto de instrumentos que conocemos, no existe en la voz una clavija que podamos manipular para afinar las cuerdas, ni nos sirven los dedos para hacer sonar las notas o hacerlas vibrar… La educación de la voz es puramente sensorial aunque es cierto que podemos hacer ejercicios para mejorarla.

Nuestro sonido, puede manifestar todo lo que sentimos, todo lo que vivimos, todo lo que pensamos, pero el sonido tiene que ser rico en matices, expresivo, abierto, libre y seguro.

Leí en un libro que hablaba sobre la voz  y decía: “a veces no nos atrevemos a usar nuestras alas para volar”. Creo que es completamente cierto. La gran mayoría de los instrumentistas piensan que los cantantes somos raros y “especialitos”, que no hay quien nos entienda… Cantar es una expresión tal de la persona, que es como si nos desnudáramos ante la gente para decir algo con una melodía. Creo que es la expresión más pura de la música. Quizás por eso en ocasiones no nos atrevemos a abrir las alas; los miedos, la vergüenza, el subjetivismo, son condicionantes principales en la hora del canto.

Para ser mejor en cualquier destreza, en cualquier aspecto de nuestra personalidad, es necesaria una buena predisposición. Necesitamos de:

1.  La observación: propia y ajena. Me puedo preguntar cómo estoy emitiendo mi voz, cómo lo hace la otra persona (a la que me gusta su forma de cantar por ejemplo, o cómo hace las agilidades). Observo qué hay de diferente entre lo que yo hago y lo que hace el otro.

2.  Crítica constructiva:  ésto me gusta y no me gusta de mí, ésto me gusta y no me gusta del otro. Una grabadora de voz o un vídeo pueden ayudar muchísimo en la observación y la crítica.

3.  Manos a la obra: hacer ejercicio físico y aeróbico ayuda mucho a la tonificación que necesitamos para los músculos, y a aumentar nuestra capacidad pulmonar y controlar la salida del aire. FUNDAMENTAL: la perseverancia, como el estudio de cualquier otro instrumento, o la práctica de un deporte, la pintura, etc.

Debemos tener cuidado con las posturas, lo que comemos, si nos abrigamos, el calzado que usamos… Cuando un pianista se sienta a estudiar una pieza, si no lo hace con “higiene postural”, puede llegar a tener tendinitis en la muñeca, en el cuello, o cualquier otro tipo de problemas. En el caso del cantante o de las personas que trabajamos fundamentalmente con la voz como los actores, maestros…necesitamos cuidar el descanso, no exponernos en zonas con corriente, no elevar el volumen de la voz, que roza el grito a veces, para hacernos oír.

El cantante necesita como mínimo que su timbre sea inconfundible; que su voz tenga la misma calidad en toda su tesitura, que haga disfrutar con cada nota y con cada silencio. Que nos parezca que es el único que puede cantar esa canción. Trabajar la voz es un proceso largo, no una receta; puesto que cada voz es única.

A continuación, propongo algunos ejercicios para hacer como calentamiento previo al canto:

1.  Relajación del cuerpo: tómate un tiempo tumbado, sentado, de pie…y concéntrate en relajar esas partes del cuerpo en tensión, como suele ser el cuello, los hombros, la espalda, los brazos…

2.  Respiración: Observa cómo es tu respiración; trata de que el ritmo sea cada vez más lento y homogéneo. Inspirar en 5 tiempos, bloquear, espirar en 5 tiempos. Se puede combinar de muchas maneras, pero hay que trabajar la duración y calidad del soplo espiratorio.

3.  Resonancia: observar el timbre, el volumen de nuestra voz contemplando la posición de nuestro cuerpo, de la boca. Pregúntate: ¿Qué estoy haciendo para que suene así? Intenta recordarlo cuando te guste o no ese sonido.

4.  Articulación: Sin sonido y exagerando las comisuras, haz las vocales. Ejercita la lengua sacándola hacia fuera, arriba y abajo lo máximo que puedas. Con la boca abierta, tocar con la punta de la lengua una comisura y la otra. Hacer vibrar la punta de la lengua (rrrrrrrrr).

5.  Los labios: abrir la boca formando un círculo grande, enseñando ligeramente los dientes superiores e inferiores y luego cerrarla. Formar con los labios un círculo como para decir la O, y luego cerrarlos un poco como para decir la U.

¿Qué es el suelo pélvico?

El suelo pélvico es la parte del cuerpo que juega un papel importante en la fonación. Conocer sus características, sentirlo, y aprender a moverlo es tarea difícil pero no imposible. Pues bien, el suelo pélvico es la pared inferior de la cavidad abdominal. Más aún, es la pared inferior del tronco.

Los órganos y vísceras contenidos en la cavidad abdominal están apoyados en el suelo pélvico, por eso cuando los músculos del suelo se contraen, presionan hacia arriba el contenido de la cavidad abdominal. Dicha cavidad, está limitada hacia arriba por el músculo diafragma y hacia abajo por los músculos del suelo pélvico.

Cuando inspiramos, el suelo pélvico desciende, y cuando espiramos, el suelo asciende.

En el suelo pélvico empieza toda la presión ascendente que nos permite producir la emisión vocal profesional. Es el suelo de la pelvis el que, al ascender, durante la espiración, permite que el aire ejerza la presión necesaria en la cuerdas vocales (presión subglótica) para que se produzca el sonido con todas las cualidades que precisan en su voz actores y cantantes. El suelo se eleva de forma diferente según la intensidad y altura del sonido que queremos emitir.

Podemos encontrar muchos libros que hablan sobre la voz, pero puedo recomendarles “Tu voz tu sonido” de Lidia García. Editorial Díaz de Santos, por si quieren ampliar conocimientos o clarificar ideas.

¡Sé único, busca diferenciarte de los demás, y si eres o no músico, haz música en tu quehacer diario!

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